upcoming     

SOLO EXHIBITION     

    

 ... bis ans Ende und wieder ...         

       

9.  Juni -23. Juli  2017       

Brotfabrik Galerie     

Berlin     

 

Eröffnung: 9. Juni * 19 Uhr

 

24. Juni * 19 Uhr

Vortrag "Kunst, Aufmerksamkeit, Kontingenz"

von Marcus Steinweg

 

30. Juni * 19 Uhr

Künstlergespräch

 

 

 

upcoming group exhibition:

November/December 2017 in Munich (Patetntamtamt) 

    

 

 

BEYOND THE MASK

The works of Corry Siw Mirski

 

By Tina Sauerländer

 

Her fleshy red brims over with vitality. It is the color of the blood flowing through our veins. The constrictions, stitches and scars in Corry Siw Mirski's work drastically reveal the fragility of the human body. In their alleged brutality, they symbolize the primal fear of the decline of physical well-being and our own existence. The materials used by the artist as well as their stylistic language are soft, organic and natural. They contrast cultural constructions with right angles, corners and edges. Corry Siw Mirski uses straw, seeds, cherry pits or cicada skins, which she incorporates into silicone along with red pigments. A translucent, shiny and skin-like surface results. The natural and perishable materials evoke fertility and vitality as well as decay and death.

 

The wormlike objects such as Nullierung (Zeroing) (2013), Retorta (2014) or Underdog (2015) resemble mangled, hand and footless bodies. The artist also does not include a skull. With this symbolic beheading, Corry Siw Mirski opposes rationality as the useful driving force of human action and comprehensive explanation for the state of the world. It would never be rationally comprehended in its totality. As humanity just creates less complex, but plausible, logical relationships and thus a controllable, ostensible order to things. The mercy of an incomprehensible and unmanageable power is perceived as frightening. The common (red) thread with which Underdog is laced together, and the rough stitches in other works such Angel or Retorta I keep the fragile, unstable creatures together. They symbolize the restraining forces, behavioral patterns, fears or negative feelings beyond our perception unconsciously directing us that the artist now pulls out of their repression.

 

The works with faces such as Blick-Dicht (Gaze Proof) (2015) or Heilige Tochter meine I + II (Holy daughter my I + II) (2014), are often based on the same original photograph. For the artist these are not meant to be a specific person. She is not looking for the interior of an individual through their visual appearance, but instead the essence of existence as expressed in the human face. In other photographic images, Corry Siw Mirski takes up the idea of the inseparable bond between face and mask. In Kirsche (Cherry) or Randschicht (Outer Layer), it is the cut out eyes from a silicon face, and in the sculpture Stammbaum (Family Tree) (all 2015), the artist molded a plastic face with hemp hair to a head, so that it simultaneously resembles a mask. The vulnerability and fragility of one's own body and the impermanence of the self tread upon the face of appearance in a special way. As here, vitality and finiteness are most strongly linked with the perception of personal identity. With skull drawings (since 2013) and works like Schädelholz (Wooden Skull), Übergangsgesicht (Transition Face) or Fragiles Gleichgewicht (Fragile Balance) (all 2015) connects the artist faces, masks and skulls together. Through their trinity, the idea of the earthly life's finite nature intensifies into a Vanitas motif. One's own mortality is often perceived in our secular consumer society as the frightening endpoint of our individual existence, and—just like feelings of shame, guilt or jealousy—given negative connotation and expulsed.

 

For the artist the mask (latin: persona) symbolizes in particular the self-created identity that lies like a veil over actual existence. One person is, according to the original meaning of the word, no more than a role within a community or a character within a play. For Corry Siw Mirski the true access to the essence of existence lies beyond this mask and the rationally detectable, outer world. The artist is in favor of recognizing the inner nature and allowing supposedly negative feelings or fears. Life and death are part of a natural cycle and inextricably intertwined. The thought of one's own mortality could approach the real, human existence. However, for Corry Siw Mirski, the key lies in in the complete abandonment of self-chosen identity and belief in the configurability of individuality. Inspired by the French-Lithuanian philosopher Emmanuel Levinas, who speaks of non-selection of one's existence, the individual freedom does not lie in the (conscious) training of one's own identity. Instead it lies in accepting the inner, involuntary and inherent self. Admitting this lack of influence on identity, on (cultural and societal) living conditions or on death as an uncontrollable force could remove the primal fear of one's own existence. Or as the artist says, “I think, only if one is no longer afraid of their own physicality is one capable of enjoying life.”

 

Corry Siw Mirski’s works seem macabre, violent or threatening at first glance because they symbolize repressed fears. Thereby the artist calls for a change in the perception and evaluation of these supposedly negative emotions in order to integrate them as a normal part of our existence and life. She thinks in the spirit of the ancient philosopher Epictetus, “It is not things that disturb us, but our interpretation of their significance.”

 

 

For additional context about the deeper philosophical backgrounds of Corry Siw Mirski works, see her Final presentation at the Academy of Fine Art (2015) and the Artist Talk between this author and the artist.

 

 

 

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JENSEITS DER MASKE

Die Arbeiten von Corry Siw Mirski

 

Von Tina Sauerländer

 

Ihr fleischliches Rot strotzt vor Lebendigkeit. Es ist die Farbe des Blutes, das in unseren Adern fließt. Die Einschnürungen, Nähte und Narben in den Arbeiten von Corry Siw Mirski offenbaren drastisch die Fragilität des menschlichen Körpers. In ihrer vermeintlichen Brutalität symbolisieren sie die Urangst um das körperliche Wohlergehen und die eigene Existenz. Die von der Künstlerin verwendeten Materialien sowie ihre Formensprache sind weich, organisch und natürlich. Sie kontrastieren kulturelle Konstruktionen mit rechten Winkeln, Ecken und Kanten. Corry Siw Mirski verwendet Stroh, Samen, Kirschkerne oder Zikadenhäute, die sie zusammen mit roten Farbpigmenten in Silikon eingearbeitet. Eine durchscheinende, glänzende und hautähnliche Oberfläche entsteht. Die natürlichen und verderblichen Materialien evozieren Fruchtbarkeit und Lebendigkeit genauso wie Verfall und Tod.

 

 

Die wurmartigen Objekte wie „Nullierung“ (2013), „Retorta“ (2014) oder „Underdog“ (2015) ähneln verstümmelten, hand-

und fußlosen Körpern. Auch einen Schädel hat die Künstlerin nicht vorgesehen. Mit dieser symbolischen Kopflosigkeit wendet sich Corry Siw Mirski gegen Rationalität als sinnvolle Triebkraft menschlichen Handelns und umfassendes Erklärungswerkzeug für die Zustände der Welt, die in ihrer Ganzheit niemals nur mit dem Verstand erfassbar wären. Denn der Mensch schafft sich lediglich weniger komplexe, dafür aber plausible, logische Zusammenhänge und somit eine für ihn kontrollierbare, scheinbare Ordnung der Dinge. Das Ausgeliefertsein an eine nicht begreifbare und somit nicht beherrschbare Macht empfindet er als beängstigend. Der rote Faden, mit dem der „Underdog“ zusammen geschnürt ist, und die groben Nähte in anderen Arbeiten wie „Angel“ oder „Retorta I“ halten die fragilen, instabilen Wesen zusammen. Sie symbolisieren die uns jenseits unserer Wahrnehmung unbewusst lenkenden und dadurch Halt gebenden Kräfte, Handlungsmuster, Ängste oder negativen Gefühle, die die Künstlerin nun aus ihrer Verdrängung hervor holt.

 

Die Arbeiten mit Gesichtern, wie „Blick-Dicht“ (2015) oder „Heilige Tochter meine I + II“ (2014), beruhen oftmals auf derselben fotografischen Vorlage. Der Künstlerin geht es jedoch nicht um eine bestimmte Person. Sie sucht nicht das Innere eines Individuums an dessen visueller Oberfläche, sondern die Essenz der Existenz, die im menschlichen Antlitz zum Ausdruck kommen kann. In weiteren Bild-Objekten greift Corry Siw Mirski den Gedanken an die untrennbare Verbundenheit von Gesicht und Maske auf. In „Kirsche“ oder „Randschicht“ sind es die aus dem Silikon-Antlitz herausgeschnittenen Augen, und in der Skulptur „Stammbaum“ (alle 2015) formt die Künstlerin ein plastisches Gesicht mit Hanfhaar zu einem Kopf, so dass jenes gleichzeitig auch Maske ist. Die Verletzlichkeit und Fragilität des eigenen Körpers und die Vergänglichkeit des eigenen Selbst treten im Gesicht in besonderer Weise in Erscheinung, da hier Lebendigkeit und Endlichkeit am Stärksten mit der Wahrnehmung von persönlicher Identität verbunden sind. Mit Zeichnungen von Totenköpfen (seit 2013) und Arbeiten wie „Schädelholz“, „Übergangsgesicht“ oder „Fragiles Gleichgewicht“ (alle 2015) verbindet die Künstlerin Gesichter, Masken und Totenköpfe miteinander, die so in ihrer Trinität den Gedanken an die Endlichkeit des irdischen Lebens als Vanitas-Motiv intensivieren. Die eigene Sterblichkeit wird in unserer säkularen Konsumgesellschaft oft als beängstigender Endpunkt des individuellen Daseins wahrgenommen und – genauso wie Gefühle von Scham, Schuld oder Neid – negativ konnotiert und verbannt.

 

Für die Künstlerin symbolisiert die Maske (lat. persona) vor allem die selbst geschaffene Identität, die wie ein Schleier über der eigentlichen Existenz liegt. Eine Person ist, dem ursprünglichen Wortsinn folgend, nicht anderes als eine Rolle innerhalb einer Gesellschaft oder ein Charakter in einem Theaterstück. Der wahre Zugang zur Essenz des Daseins liegt für Corry Siw Mirski jenseits dieser Maske und der rational erfassbaren, äußeren Welt. Die Künstlerin spricht sich für das Anerkennen der inneren Natur und das Zulassen von vermeintlich negativen Gefühlen oder Ängsten aus. Leben und Tod sind Teile des natürlichen Kreislaufes und unauflöslich miteinander verstrickt. Der Gedanke an die eigene Sterblichkeit könnte eine Annäherung an die eigentliche, menschliche Existenz ermöglichen. Für Corry Siw Mirski liegt der Schlüssel allerdings in der vollständigen Aufgabe der selbst gewählten Identität und des Glaubens an die Gestaltbarkeit von Individualität. In Anlehnung an den französisch-litauischen Philosophen Emmanuel Levinas, der von einer Nicht-Wählbarkeit der eigenen Existenz spricht, liegt die individuelle Freiheit nicht in der (bewussten) Ausbildung der eigenen Identität, sondern im „Geschehen lassen“ und Annehmen des inneren, unwillkürlichen und naturgegebenen Selbst. Die Akzeptanz des nicht vorhandenen Einflusses auf Identität, auf (kulturell-gesellschaftliche) Lebensbedingungen oder auf den Tod als unkontrollierbare Gewalten, könnte die Urangst um das eigene Dasein nehmen. Oder wie die Künstlerin sagt: „Ich glaube, erst wenn einem die Körperlichkeit keine Angst mehr macht, ist man ganz dazu in der Lage, das Leben zu genießen.“

 

Corry Siw Mirskis Arbeiten erscheinen auf den ersten Blick makaber, brutal oder bedrohlich, weil sie verdrängte Ängste symbolisieren. Die Künstlerin plädiert damit für eine Veränderung der Wahrnehmung und Bewertung dieser vermeintlich negativen Gefühle, um sie als normalen Teil in unser Dasein und Leben integrieren zu können. Sie denkt dabei ganz im Sinne des antiken Philosophen Epiktet: „Es sind nicht die Dinge selbst, sondern unsere Meinungen von den Dingen, die uns verunsichern.“

 

 

Über die tieferen philosophischen Hintergründe der Arbeiten von Corry Siw Mirski ist die Lektüre ihres Abschlussvortrages an der Akademie für Malerei (2015) sowie das Künstlergespräch zwischen Autorin und Künstlerin empfehlenswert.